COLOR I FORMA

color I forma expo

It is an honor for us to present our new exhibition, ‘Color and Form,’ which invites deep reflection on the evolution of these fundamental elements in art throughout history. Since the dawn of humanity, color and form have been means of expression that have evolved over time, reflecting both the material conditions and cultural conceptions of each era. In this exhibition, we embark on an open journey through various contemporary approaches that explore the relationship between color and emotion, geometric compositions, and abstraction. Beyond mere aesthetics, this exhibition invites us to consider how technology, techniques, and materials offer us new ways of interpreting and being interpreted by art.

On this occasion, we have included an ephemeral installation for the opening day on May 28th 2024, at 8:00 p.m., which merges music, drawing, and artificial intelligence, exploring the creative possibilities that arise from the convergence of these disciplines. In a dialogue that transcends the human and the material, artificial intelligence becomes a means to surprise us and reflect on our own interpretation of art.

Es un honor para nosotros presentar nuestra nueva exposición, «Color y Forma», que invita a una profunda reflexión sobre la evolución de estos elementos fundamentales en el arte a lo largo de la historia. Desde los albores de la humanidad, el color y la forma han sido medios de expresión que han evolucionado con el tiempo, reflejando tanto las condiciones materiales como las concepciones culturales de cada época. En esta muestra, nos unimos en un viaje abierto a través de diversas aproximaciones contemporáneas que exploran la relación entre el color y la emoción, las composiciones geométricas y la abstracción, más allá de la mera estética, esta exposición nos invita a considerar cómo la tecnología, las técnicas y los materiales nos ofrecen nuevas formas de interpretar y ser interpretados por el arte. 

En esta ocasión, hemos incluido una instalación efímera para el día de la inauguración 28 de mayo 2024 a las 20h que fusiona la música, el dibujo y la inteligencia artificial, explorando las posibilidades creativas que surgen de la convergencia de estas disciplinas. En un diálogo que trasciende lo humano y lo material, la inteligencia artificial se convierte en un medio para sorprendernos y reflexionar sobre nuestra propia interpretación del arte. 

Marta Gasset

marta gasset

El arte es mi propósito. Nada tendría sentido si no hubiera renunciado al mundo jurídico para volver a empezar. Entiendo el arte como una celebración, como una revolución.

Soy artista polifacética y he adquirido mis habilidades a través de muchas experiencias y trabajos en el mundo de las instalaciones artístico-creativas. Desde hace unos años estoy comprometida con la pintura, el lienzo y el papel. Con ellos he encontrado mi verdadero lenguaje. La abstracción me permite evocar mis reflexiones y experiencias que siempre trasmito desde la admiración y amor por las diversas culturas y la influencia que han provocado en mí, sus colores, su artesanía y su historia.

La sostenibilidad y el respeto hacia la naturaleza son también parte de mí. No puedo crear sin reutilizar. Me apasiona transformar las cosas y darles una nueva vida, una nueva misión. El papel es mi aliado. Cualquier papel de cualquier procedencia tiene su compromiso con el arte. Acumulo y transformo papeles de todo tipo, los pinto y dibujo en ellos, los tiño con productos naturales de elaboración propia y los trabajo hasta conseguir el punto de textura y color que constituye mi paleta. El collage es la técnica que después me permite combinar y construir mi mundo ecléctico.

Las obras que presento forman parte de la serie «Pensamientos, reflexiones y otras historias». Todas ellas son composiciones abstractas de lenguaje expresivo y simbolista, focalizadas en la cultura japonesa.

Art is my purpose. Nothing would make sense if I had not left the legal world to start anew. I understand art as a celebration, as a revolution.

I am a multifaceted artist, and I have acquired my skills through many experiences and works in the world of artistic-creative installations. For several years now, I have been committed to painting, canvas, and paper. With them, I have found my true language. Abstraction allows me to evoke my reflections and experiences, which I always convey with admiration and love for the diverse cultures and their influence on me—their colors, their craftsmanship, and their history.

Sustainability and respect for nature are also part of me. I cannot create without reusing. I am passionate about transforming things and giving them a new life, a new mission. Paper is my ally. Any paper from any origin has its commitment to art. I collect and transform all kinds of paper, paint and draw on them, dye them with homemade natural products, and work them until I achieve the texture and color that make up my palette. Collage is the technique that then allows me to combine and build my eclectic world.

The works I present are part of the series «Thoughts, Reflections, and Other Stories.» All of them are abstract compositions with expressive and symbolist language, focused on Japanese culture.

Karina Lopez Sitja

Karina Lopez Sitja

“HUMAN INTERCONNECTION”

Japanese Neriage ceramics and rusted iron

Size: 100 x 63cm, each mural

A través de estas obras deseo expresar el sentido de comunidad y vínculo humano, dentro del concepto de flujo universal.

 

Los 3 murales representan diferentes formas de interconexión humana.

 

“Mural #1”: todos estamos unidos, independientemente de nuestras individualidades.

 

“Mural #2”: se trata de la sinergia de las personas que se encuentran. Esta experiencia abre una línea de tiempo poderosa y ascendente para la esencia de cada uno. Nos sentimos cómodos, en armonía con nuestra identidad y alineados con nuestro propósito más elevado.

 

“Mural #3”: describe ese movimiento que se siente natural, alegre, sin obstáculos ni resistencias, de ayuda mutua hacia el crecimiento interior y la expansión de la conciencia. Esto es amor.

No estemos solos. Recordemos siempre vivir de una manera más conectada y consciente, reconociendo que cada momento y cada encuentro tiene el potencial de ser significativo y transformador.

Through this work I want to express the sense of community and bonding within the concept of universal flow.

 

The 3 murals represent different forms of human interconnection.

 

“Mural #1”: we are all united, regardless of our individualities.

 

“Mural #2”: it´s about the synergy when people alike meet. This experience opens up a powerful and ascending timeline for the essence of each one. We feel comfortable, in harmony with our identity and aligned with our highest purpose.

 

“Mural #3”: shows that flow that feels natural, joyful, without obstacles or resistance, of mutual help towards inner growth and expansion of consciousness. That is love.

Let´s not be alone. Let´s always remember to live in a more connected and conscious way, recognizing that each moment and each encounter has the potential to be significant and transformative.

Comencé mi formación en escultura cerámica en Buenos Aires en 2007, bajo la tutela del gran
maestro ceramista Leo Tavella. Desde ese año y hasta su fallecimiento, tuve el privilegio de
trabajar junto a él y a su equipo. Paralelamente, en 2008, inicié mi formación académica en
Escultura y Muralismo en el Instituto Universitario Nacional de las Artes (IUNA) en Buenos Aires,
Argentina, y años después, abrí mi propio estudio, también en Buenos Aires.
Actualmente vivo en Barcelona, y desarrollo mis obras en mi taller en Montgat.
Desde mis inicios, me he sentido fascinada por la investigación de las técnicas cerámicas
japonesas y orientales, así como por el estudio de la estética y filosofía tradicional oriental.
En cuanto a mi enfoque y método de trabajo, mi profundo amor por la Naturaleza se refleja en
cada una de mis creaciones. Utilizo esta actividad creativa como una forma de conexión con la
Tierra, optando siempre por elementos naturales como medio de expresión.
Mi proceso de trabajo es completamente intuitivo y espontáneo, dando como resultado piezas
únicas que no replico.
Los conceptos que deseo transmitir son los de movimiento continuo, femineidad, fluidez sutil y
fragilidad, pero también de fuerza.
Mis obras han sido exhibidas en colecciones privadas y galerías de España, Argentina, Estados
Unidos, Brasil, Perú, Alemania y Uruguay, entre otros países.
Me siento honrada por el reconocimiento de mi trabajo, obteniendo Primeros y Segundos Premios
y Menciones del jurado, otorgados por prestigiosas instituciones y museos nacionales e
internacionales.

Creo firmemente en la interconexión de todos los seres vivos y en nuestra pertenencia a una
energía universal. Mi práctica del budismo zen y la filosofía de la estética japonesa informan y
enriquecen tanto mi trabajo artístico como mi estilo de vida.

Ella Jensen

Ella Jensen

Меня зовут Элла Йенсен. Моё творчество – это встреча разных миров и культур. По профессии я дизайнер одежды. Мне всегда было интересно придумывать и создавать для людей что-то прекрасное, способное подарить ощущение эстетического удовольствия. Хотя дизайн — невероятно интересная и разнообразная среда, он обычно предполагает границы, так как при работе с объектом дизайна необходимо учитывать его конечное предназначение. Поэтому я вкладываю свою страсть и свободное время в рисунки и картины. Это свободное пространство, где я могу расслабиться и дать волю своим мыслям и идеям, что позволяет мне заниматься своим творчеством.

Родившись в Удмуртской Советской Республике, с самого детства я имела возможность познакомиться с прекрасными традициями и ремеслами этого региона, что вызвало у меня интерес к фольклорному искусству. Мой творческий путь начался там же, где я училась в художественном колледже.

Переехав в культурную столицу России – Санкт-Петербург, я окончила университет по специальности «Мода и дизайн». Яркая художественная жизнь Петербурга расширила круг моих знакомств до весьма разнообразной сети творческих личностей: создатели шоу, актеры, художники, архитекторы, искусствоведы, скульпторы, стилисты и, конечно же, модельеры и дизайнеры одежды. Во время учёбы я часто посещала великие русские музеи, что стало важной частью моего художественного становления.

После окончания университета я переехала в Эстонию, где прожила несколько лет. В этот период у меня появилось много возможностей путешествовать и познакомиться с эстетикой различных стран. Наиболее значимое влияние на меня оказали художники и дизайнеры скандинавских стран с их безупречным и очень выдержанным дизайном, минимализмом в архитектуре и уважением к окружающей среде и природе.

Переехав в Испанию, я начала открывать для себя местных художников, восхищаться гениальной архитектурой Гауди и картинами удивительных испанских мастеров. Их творчество поражает меня каждый раз, когда я рассматриваю их работы, а посещение домов и мест, где они находили вдохновение, всегда становится для меня особенным опытом, придающим новые идеи.

Накопив такой жизненный опыт, я пытаюсь трансформировать его и воплотить в свои художественные проекты. Мне интересно работать с разными художественными материалами и техниками, создавать картины, иллюстрации, рисунки для тканей и роспись стен. Мои работы всегда связаны с темой природы. Я стремлюсь показать взаимоотношения между людьми, животными и растениями через свои произведения. Природа – это главный источник вдохновения, символизирующий гармонию в нашем мире

El arte es mi propósito. Nada tendría sentido si no hubiera renunciado al mundo jurídico para volver a empezar. Entiendo el arte como una celebración, como una revolución.

Soy artista polifacética y he adquirido mis habilidades a través de muchas experiencias y trabajos en el mundo de las instalaciones artístico-creativas. Desde hace unos años estoy comprometida con la pintura, el lienzo y el papel. Con ellos he encontrado mi verdadero lenguaje. La abstracción me permite evocar mis reflexiones y experiencias que siempre trasmito desde la admiración y amor por las diversas culturas y la influencia que han provocado en mí, sus colores, su artesanía y su historia.

La sostenibilidad y el respeto hacia la naturaleza son también parte de mí. No puedo crear sin reutilizar. Me apasiona transformar las cosas y darles una nueva vida, una nueva misión. El papel es mi aliado. Cualquier papel de cualquier procedencia tiene su compromiso con el arte. Acumulo y transformo papeles de todo tipo, los pinto y dibujo en ellos, los tiño con productos naturales de elaboración propia y los trabajo hasta conseguir el punto de textura y color que constituye mi paleta. El collage es la técnica que después me permite combinar y construir mi mundo ecléctico.

Las obras que presento forman parte de la serie «Pensamientos, reflexiones y otras historias». Todas ellas son composiciones abstractas de lenguaje expresivo y simbolista, focalizadas en la cultura japonesa.

Art is my purpose. Nothing would make sense if I had not left the legal world to start anew. I understand art as a celebration, as a revolution.

I am a multifaceted artist, and I have acquired my skills through many experiences and works in the world of artistic-creative installations. For several years now, I have been committed to painting, canvas, and paper. With them, I have found my true language. Abstraction allows me to evoke my reflections and experiences, which I always convey with admiration and love for the diverse cultures and their influence on me—their colors, their craftsmanship, and their history.

Sustainability and respect for nature are also part of me. I cannot create without reusing. I am passionate about transforming things and giving them a new life, a new mission. Paper is my ally. Any paper from any origin has its commitment to art. I collect and transform all kinds of paper, paint and draw on them, dye them with homemade natural products, and work them until I achieve the texture and color that make up my palette. Collage is the technique that then allows me to combine and build my eclectic world.

The works I present are part of the series «Thoughts, Reflections, and Other Stories.» All of them are abstract compositions with expressive and symbolist language, focused on Japanese culture.

In Collaboration with Sofía Aristova


Mi nombre es Sofía. Soy una artista textil y trabajo en técnicas de bordado. Tengo 30 años. Me mudó a Barcelona hace 5 años desde San Petersburgo (Rusia). Desde la infancia adoro el arte, la historia del arte y en los últimos años he estudiado mucho arte textil. Bordar para mí es un proceso en el que puedo sumergirme profundamente en mí mismo y sentirme completamente seguro. En Barcelona dirijo clases de bordado para adultos y niños. Me gusta mostrar el mundo hermoso y diferente del bordado y sus cualidades artterapéuticas. Me encanta mezclar técnicas de bordado con acrílico, bordar en lienzos y probar nuevas combinaciones de bordados con otros materiales.

Hugo Barbié

Hugo Barbié, born in Barcelona, is a young painter who recreates experiences entrenched in the present, future, and past. This stands out above the artist’s own conviction in the environmental security of the creator. In this case, he is an artist who promises to shed light on a past of successful darkness, promising an original present. It is this conviction that demonstrates to the artist the clarity of his visual proposal.

He has exhibited at Carles Teixidó Art Gallery in Andorra.


 

Hugo Barbié, nacido en Barcelona, es un joven pintor que recrea experiencias arraigadas en el presente, futuro y pasado. Esto destaca por encima de la propia convicción del artista en la seguridad ambiental del creador. En este caso, es un artista que promete arrojar luz sobre un pasado de oscuridad exitosa, prometiendo un presente original. Es esta convicción la que demuestra al artista la claridad de su propuesta visual.

Ha expuesto en la Galería de Arte Carles Teixidó en Andorra.

Collection handled by Montse Bcn

 

Art dealer more than 25 Yrs, Curator, Critic & Artistic, Gastro, Turistic Event Organisor.

‘Art Passion. As a way of Living!’

Art connects soul, mind, body & spirit.

Instagram : @bcn.montse

 

Hugo Barbié

Ventsislav Petrov

Collection handled by Montse Bcn

Art dealer more than 25 Yrs, Curator, Critic & Artistic, Gastro, Turistic Event Organisor.

‘Art Passion. As a way of Living!’

Art connects soul, mind, body & spirit.

Instagram : @bcn.montse

Sculptor & Scenographer

More than 14 years of experience in the field of fine arts, set design and theatre.

Solo Exhibitions and Workshop Teacher between 2017 & 2019 in Malaysia.

Scenographer in State Opera Stara Zagora, Scenographer assistant at Teatro Nacional de Sao Carlos Lisbon and currently Technical Assistant at Plovdiv Drama Theatre

Materials: clay, special glazed ceramics for firing with 10% and 6% gold, and a secret material often used by the artist; inlays of gold leaf, acrylic, sand, and another secret material. The frames were handcrafted by a master wood artisan in Bulgaria.

 

– 100 x 70 cms “The Shamman” 2/6 2022 – 6% or (gold)

– 70 x 50 cms “ Sumandak” 5/6 2022 – 10% or (gold)

These two works, “Faces of the Forest,” are the first exhibition in Europe by the Bulgarian artist Ventsislav Petrov. They are unique for their message and technique, and this is the second time they are being exhibited.

His faces, the faces of the forest, the cries and calls of the inhabitants of Malaysia, due to uncontrolled tree logging around the world, establish a dialogue among themselves and immediately with the viewer. “Faces of the Forest” is inspired by the three residencies as an artist trainer, from which notable names with large-scale public works have emerged, by the sculptor Ventsislav Petrov, in Malaysia, 2017-2019.

The forest here holds many meanings, establishing a dialogue with the ancestors who knew how to preserve green areas on the planet. Under the titles “Shapeshifter,” “The Oracle,” “The Shaman,” “Headhunter,” and “Sumandak.”

Currently, the artist divides his time between his work at the State Opera Stara Zagora as a scenographer and a costume and set designer for the past two years, and sculpture.

Estas 2 obras “Faces of the Forest” 1ª exposición en Europa del artista búlgaro Ventsislav Petrov son únicas por su mensaje y técnica y la 2ª vez que se exponen.

Sus rostros, las caras del bosque, el lloro y llamada de los habitantes de Malasia, por la tala descontrolada de árboles en el mundo, establecen un diálogo entre ellas e inmediatamente, con el espectador “Faces of the Forest” se inspira en las tres estancias como formador de artistas, de las que han salido nombres destacados con obra pública de gran formato, del escultor Ventsislav Petrov, en Malasia, 2017-2019.

El bosque aquí, tiene muchos significados, estableciendo un diálogo con los antepasados que supieron preservar las zonas verdes en el planeta. Bajo los títulos “Shapeshifter” “The Oracle” “The Shaman” “Headhunter” “Sumandak”

Actualmente el artista divide su tiempo entre su trabajo en la Ópera Estatal de Stara Zagora como escenógrafo y artista de vestuario y decorados desde hace 2 años, con la escultura.

Ivan Federico Wenger

He studied at the Architecture University “UNLP” at La Plata , Argentina. From 2008 to 2015. After that madehis studies in the Fine Arts Institute Paseo Dardo Rocha. 2016-2018In the paintings of Ivan Federico, a connection is established between magic and mystery.New spaces full of symbols and realistic esotericism, succumb to the calm and tensiongenerated in his works. Wenger explores his own psyche with a rational language inconjunction with the dreamlike, they approach lucid dreams transmuted into painting.His work has been exhibited in art museums and international galleries, it can currently be found ondisplay in several galleries in Barcelona, and in turn it is distributed in private collections in Italy,France, Spain and Argentina.

COLOR I FORMA: Una Conversación Dinámica 

en Palau Dalmases Art Gallery

La exposición «COLOR I FORMA» en Palau Dalmases Art Gallery presenta una fascinante interacción entre diversos medios y artistas, mostrando cómo la percepción y la realidad se entrelazan en el arte. «Lo que sabemos o creemos afecta el modo en que vemos las cosas», un principio que nosotros como espacio cultural queremos explorar en profundidad con cada muestra. Cada obra, desde la pintura clásica al óleo hasta las interpretaciones innovadoras generadas por inteligencia artificial, expone un diálogo entre el creador y su material, resonando con las ideas de Carl Jung sobre la expresión artística y el inconsciente. Los artistas capturan la realidad con una intensidad única y personal que, al ser plasmada en sus obras, vuelve a pasar por el filtro de la percepción del observador, recordando cómo la información se transforma y diversifica: «Cuando miro, comprendo… interpreto, de alguna manera, el mundo a mi escala». 

La mirada del artista celebra, muchas veces, la realidad, sea cuál sea, capturando su esencia con una intensidad que podríamos describir como conciencia del alma. Sin embargo, al plasmarla, la materia retoma el control a través de las limitaciones de la técnicas y los materiales. Así, la forma y el color se convierten en un lenguaje complejo y fascinante, a través del cual el artista, la realidad y el observador entablan una conversación dinámica y activa, de tira-afloja, buscando ese punto de convergencia arquetípico en el que conectamos todos. 

En «COLOR I FORMA», cada obra, desde el óleo hasta las figuras de cerámica japonesa, los rostros que emergen del lienzo y las técnicas mixtas con papel, reflejan tanto la visión del artista como la resistencia y adaptación del material. Todas esas figuras abstractas, deconstruidas y reimaginadas, expresan emociones complejas que proyectan en el espectador como la posibilidad de ampliar horizontes en el ejercicio de contemplar recuerdos de otros… Estas líneas y colores trazan un puente de unión suspendido en el vacío donde habitan la luz y las oscuridades de cada uno. Esta exposición alberga un discurso emocional diverso, capturando delirios y recuerdos que invitan al espectador a un viaje introspectivo de una variedad de estados emocionales, desde la euforia y la serenidad hasta la inquietud y el desasosiego.

La instalación efímera de esta muestra destaca cómo el arte se reinventa constantemente, reflejando la naturaleza cambiante de la percepción y la realidad. Así, «COLOR I FORMA» se convierte en un espejo infinito, donde el color y la forma actúan como un lenguaje próximo entre el artista, el mundo y el espacio que los sostiene. En Palau Dalmases Art Gallery queremos fomentar la conciencia como vehículo de la experiencia, por lo que cada pieza actúa como un espejo, desafiando al observador a confrontar y explorar sus propios sentimientos y percepciones.

Daria Borysova

Для меня стало большой честью выступать на открытии этой уникальной выставки совместно с художником искусственного интеллекта. Музыка и искусство всегда были неразрывно связаны, вдохновляя и дополняя друг друга. И сегодня мы видим новый уровень этой связи.

Искусственный интеллект – это не просто инструмент, это новый участник творческого процесса, который помогает нам расширить границы воображения.

Композиции в моем исполнении были призваны усилить те эмоции и идеи которые, которые хотел передать художник в процессе создания новых картин. Звук плотно переплетался с визуальными образами, создавая единое, многогранное произведение искусства. Это уникальное взаимодействие музыки и изображений раскрывает перед нами новые горизонты творческого самовыражения. 

Данная коллаборация продемонстрировала, как технологии в нынешнем моменте, могут обогащать классическое искусство, создавая по истине нечто уникальное и вдохновляющее.

It was a great honor for me to perform at the opening of this unique exhibition alongside an artificial intelligence artist. Music and art have always been inextricably linked, inspiring and complementing each other. Today, we see a new level of this connection.

Artificial intelligence is not just a tool; it is a new participant in the creative process, helping us to expand the boundaries of imagination.

The compositions I performed were intended to enhance the emotions and ideas that the artist wanted to convey during the creation of the new paintings. The sound closely intertwined with the visual images, creating a unified, multifaceted work of art. This unique interaction between music and imagery reveals new horizons of creative expression.

This collaboration demonstrated how today’s technologies can enrich classical art, creating something truly unique and inspiring.

Para mí fue un gran honor actuar en la inauguración de esta exposición única junto con un artista de inteligencia artificial. La música y el arte siempre han estado inextricablemente unidos, inspirándose y complementándose mutuamente. Hoy, vemos un nuevo nivel de esta conexión.

La inteligencia artificial no es solo una herramienta; es un nuevo participante en el proceso creativo, que nos ayuda a expandir los límites de la imaginación.

Las composiciones que interpreté estaban destinadas a intensificar las emociones e ideas que el artista quería transmitir durante la creación de las nuevas obras. El sonido se entrelazaba estrechamente con las imágenes visuales, creando una obra de arte unificada y multifacética. Esta interacción única entre la música y las imágenes revela nuevos horizontes de expresión creativa.

Esta colaboración demostró cómo las tecnologías de hoy pueden enriquecer el arte clásico, creando algo verdaderamente único e inspirador.

Daria Borysova

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